domingo, 15 de octubre de 2017

“Black Out 2022”, “Nowhere to run” y “Nexus Dawn”: tres imperdibles joyas del nuevo universo Blade Runner


Por: Alexiel Vidam

Si eres un verdadero fan de la clásica Blade Runner -como yo-, seguro ya viste Blade Runner 2049… o por lo menos la tienes agendada para verla 1, 2, 3… infinitas veces (por cierto, espera nuestros comentarios aquí en Cinematosis, que ya salen calientes ;) ).
                                                                                                                            
La hayas visto ya o todavía,  te recomendamos ver también los tres cortometrajes spin-off que sirven como puente entre esta nueva versión y su antecesora.

¿Qué si es necesario verlos para entender la secuela? Pues no, realmente, y por eso tampoco es tan relevante si los ves antes o después de ver la película, pero, definitivamente, son material rico, pues completan ciertos espacios, volviendo la experiencia total de Blade Runner –como universo- aún más gratificante.

Black Out 2022 se desarrolla 3 años después de la clásica Blade Runner.

Los responsables de estos cortometrajes son los directores Shinichiro Watanabe y Luke Scott. El primero, reconocido autor de animes de la talla de Cowboy Bebop y Samurai Champloo; también creador de los cortos Kid's Story y A Detective Story, de The Animatrix. Luke Scott, por su parte, juega también un papel importante aquí, al ser hijo de Ridley Scott, autor de la película clásica.

Como autor en sí, podríamos considerarle aún de poca trayectoria; fue director de segunda unidad en Exodus: Gods and Kings y en Misión Rescate -ambas dirigidas por su padre- y en 2016 debutó como director con la película Morgan. A pesar de ello, Luke Scott no decepciona en lo absoluto, realizando un trabajo impecable a nivel audiovisual, y generando un impacto final de intriga en los dos cortos que dirige.

Nowhere to run
Nexus Dawn

Ahora, ¿de qué van estos cortos? Básicamente, construyen situaciones previas a lo que vemos en Blade Runner 2049 y arremeten ferozmente con un mensaje de crítica social.

Black Out 2022, corto dirigido por Watanabe, está realizado en formato de animación –como podría esperarse-. Cuenta con una calidad gráfica excepcional y tomas que sorprenden con destacado realismo. En poco más de 15 minutos, Watanabe nos presenta la envidia y el temor de los humanos hacia los replicantes, lo cual desencadena en monstruosos actos de crueldad.

Los protagonistas, Iggy y Trixie, dos replicantes del tipo Nexus 8 (modelo con una esperanza de vida igual a la del ser humano). Ellos están buscando generar un “apagón” informático, borrando así la data que permite a los humanos rastrear a los replicantes y atentar contra sus vidas.


Nowhere to run y Nexus Dawn, de Luke Scott, más que desarrollar una historia, buscan clavar un golpe seco en el espectador. Con poco más de cinco minutos, se centran en generar una sensación de incomodidad, de asco y rechazo hacia nuestra sociedad salvaje.

Nowhere to run, es protagonizado por Sapper (Dave Bautista), replicante clandestino que sufre el rechazo colectivo luego de proteger a una niña y a su madre (la sensación que produce el final, es de desolación).

Nexus Dawn, por su parte, gira en torno al personaje de Wallace (Jared Leto), encarnación del lado más podrido del ser humano; un sujeto sin escrúpulos que provoca tanta vergüenza ajena como propia, al actuar como espejo de los instintos más bajos y primitivos de nuestra especie.




Para redondear, nos encontramos ante tres joyitas de este nuevo universo que se despliega para deleite de los amantes del género y especialmente para quienes consideramos a Blade Runner como una de las mejores historias distópicas que se hayan podido crear –si no la mejor-. Véanlos.

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viernes, 13 de octubre de 2017

“Los puentes de Madison”: historia de un encuentro fugaz (y eterno)



"No quiero necesitarte... porque no puedo tenerte."

Por: Alexiel Vidam

Ayer volví a ver una de esas pocas pelas románticas que realmente me atrapan y que –por si fuera poco-, pueden hacerme llorar: Los Puentes de Madison, una película de Clint Eastwood que cuenta, por cierto, con una de las más memorables actuaciones de Meryl Streep (mi actriz favorita por excelencia).

Por el contrario de mostrarnos un amorío chicloso y empalagoso, Los Puentes de Madison es capaz de estrujarte el corazón con un romance rebelde, maduro y bien cuajado. Es, además, una película que cuestiona los esquemas tradicionales acerca de la familia, la pareja, el amor, y los propios objetivos finales de la vida del ser humano.


La protagonista, Francesca (Meryl Streep) es una mujer que ha dejado su pueblo en Italia para casarse con Richard (Jim Haynie), un veterano de guerra norteamericano que hoy se ha convertido en un pacífico, esmerado, y bastante aburrido granjero. Francesca y Richard viven en Iowa, en el condado de Madison. Es un pueblo pequeño donde todos se conocen, todos se ayudan, donde nadie roba a nadie… pero también todos cuchichean sobre la vida de otros: uno de esos pueblos donde no hay mucho que hacer, y el aburrimiento se rompe, muy de cuándo en vez, con un buen –y muy desagradable- chisme.



La vida de Francesca transcurre monótonamente atendiendo a sus hijos adolescentes y a su marido, quienes no parecen tener mucho interés en comprender sus verdaderos deseos. Un día, Richard y los dos jóvenes parten hacia una feria fuera del pueblo, y Francesca –a solas en casa- recibe la inesperada visita de Robert Kincaid (Clint Eastwood), un fotógrafo de la National Geographic interesado en fotografiar los puentes cubiertos de la zona. La actitud desapegada y aventurera de Robert impresiona a Francesca, generando en ella una verdadera revolución interna, caracterizada por un nuevo descubrimiento de sí misma y fuertes interrogantes acerca de su vida actual y las decisiones que ha tomado (o que ha dejado que tomen por ella).




*ATENCIÓN  A SPOILERS*

Ciertamente, nos encontramos ante una historia de infidelidad, pero... ¿hasta qué punto podemos juzgar esta infidelidad? Francesca es una mujer frustrada por sus malas decisiones y su falta de carácter para imponer su voluntad. La parte de culpa que le corresponde, es la de haber dejado pasar demasiado tiempo. Todo indica que su esposo es –en el fondo- un buen tipo, pero también un sujeto egoísta y chapado a la antigua, incapaz de escuchar las necesidades de su mujer. Los hijos, han sido criados según el modelo del padre, que es el mismo que la propia madre se ha obligado a seguir y a transmitir.


Podríamos considerar a Francesca como una antiheroína feminista. Una mujer que, tarde, tiene un instante de rebelión y busca reafirmar su identidad, siguiendo sus propios deseos de pasión, afecto y libertad. Sin embargo, las cosas no son tan sencillas; no le resulta fácil renunciar a una vida hecha y correr el riesgo de ser rechazada por la familia que ha formado.

El personaje de Robert, por otra parte, es encantador desde el primer instante: un sujeto carismático, divertido, desenfadado y galante. A pesar de ser un tipo solitario y sin ataduras, se muestra bastante considerado con Francesca, de modo que el romance se desarrolla de manera progresiva y según la tensión entre los dos se va volviendo cada vez más irrefrenable.



Vale decir que ambos protagonistas nos transmiten muy claramente sus sueños, frustraciones e inseguridades, y todo ello gracias al carisma y la flamante interpretación de los dos actores principales.

En cuanto a los aspectos técnicos, la película es sencilla, pero cumple con transmitir las atmósferas de pasión, libertad o tensión en los momentos indicados. La fotografía destaca en colores cálidos y tonos naranjas para enfatizar los momentos de emotividad y pasión.


Una de las escenas más memorables–a mi parecer- es aquella en la que Francesca enfrenta a Robert a fin de saber cuáles son sus sentimientos. Otra, y la más conmovedora, sin duda, es ésa en la que Francesca se encuentra con su marido en la camioneta y percibe a Robert observándola, como quien ruega que reconsidere, como quien trata de alargar los segundos de una despedida que espera que nunca llegue. Esa escena, que dura hasta el momento en que Robert cuelga del retrovisor la cadenita que le dio Francesca, y luego se resigna y parte para siempre, es la que nos pone a todos a llorar; es la que pone a Francesca a llorar y nos convierte en partícipes de su sufrimiento.


Una película sencillamente hermosa y hecha para cuestionar nuestros propios esquemas mentales, para dejarnos un simple, claro y contundente mensaje de fondo:  “Hagan lo que tengan que hacer para vivir su vida. Hay muchas cosas para ser felices”.


Ficha técnica

Dirección: Clint Eastwood
Producción: Clint Eastwood, Kathleen Kennedy
Idea original: Robert James Waller (de su novela Los puentes de Madison)
Guión: Richard LaGravenese
Música: Lennie Niehaus
Fotografía: Jack N. Green
Montaje: Joel Cox
Reparto: Clint Eastwood, Meryl Streep, Annie Corley, Victor Selzak, Jim Haynie
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 1995
Género: Drama romántico

jueves, 5 de octubre de 2017

“Madre!”: De amor (y otros demonios)



Por: Sergio Cueto

"Sé lo que es cuando estás empezando, y piensas que
tienes todo el tiempo en el mundo, y ya sabes,
no vas a ser tan joven para siempre. ¡Ten hijos! 
Entonces crearán algo juntos.
Esto es todo solo... un ajuste.
Tú sí los quieres. ¿Es él el del problema?"

Aronofsky es un director acostumbrado a las críticas más feroces, a la polémica -recordemos El Cisne Negro o Réquiem por un Sueño- y a cierta incomprensión por parte de quienes no terminan de entender su peculiar visión cinematográfica y ésta no es la excepción. Se ha dicho que Mother! (“Madre!” en español) es "un cuento contado por un idiota lleno de ruido y de furia que no significa nada." Motivo para darle una oportunidad y sacar nuestras propias conclusiones.


El neoyorquino se ha convertido en uno de los directores contemporáneos más interesantes, pero también en uno de los más complejos.¿Es un pedante o un genio? ¿Estamos ante una obra maestra o el producto de un megalómano?

Madre! es compleja, demoledora, cruda, brutal, desmedida, pasional, metáfora del origen de la vida, temática que ya habíamos visto en The Fountain –otro de sus trabajos- en  2006, así como en Noe, Pi: El orden del caos y El Luchador.


En teoría, en esta parte, deberíamos estar haciendo un pequeño resumen, cero spoilers, sobre la cinta, pero resultaría inútil ya que lo importante no es lo que sucede en la película -catalogada de forma equivocada como "thriller psicológico"- sino la lectura que da el espectador acerca de las imágenes. Amado y odiado a partes iguales, Aronofsky no ha perdido la oportunidad de dejarnos con la boca abierta con este trabajo.


Mujer: Tú das, das, y das. Nunca es suficiente.

La sinopsis oficial de Madre! nos dice los siguiente: Trata sobre relación de una pareja puesta a prueba cuando reciben invitados inesperados a su hogar, creando fricciones en su tranquila existencia. ¿En verdad es sólo esto? La respuesta es un rotundo NO. Madre! es sólo una parte de la intrincada realidad que nos quiere contar Aronofsky.

Madre! nos lleva a explorar el drama íntimo de una pareja formada por un atormentado creador en busca de inspiración y una hermosa y sumisa mujer entregada a la tarea de reconstruir un hogar desde las cenizas, mientras ve cómo algunos extraños van profanando su obra sin que pueda hacer nada al respecto (más adelante comprenderemos a quiénes representan estos personajes).


La película deja lado las típicas estructuras del séptimo arte y juega con nuestra mente, sacándonos de nuestro lugar de confort y generando emociones dispares, una sensación de horror in crescendo, adornado con profundas metáforas que seguirá dando que hablar y continuará dando vueltas en nuestra cabeza.


Madre: ¿Voy a perderte?
ÉL: Nunca.

Mientras que en sus anteriores películas se habían gestado durante años, el primer borrador de Madre!, Aronofsky escribió el guión de este filme en en sólo cinco días, luego de sentir una profunda rabia por lo que sucede en nuestro planeta: "Como especie, nuestro impacto es peligrosamente insostenible, pero seguimos viviendo en un estado de negación de perspectivas (...). Una mañana me desperté con este sentido de angustia e impotencia y vi esta película surgir como un sueño delirante".


Cada toque en la puerta, cada sonido del timbre, acelerarán nuestras pulsaciones. Sobresaltos, miedos, claustrofobia y agobio se mezclan aquí, para bien o para mal; la clave para entender -en la medida de lo posible- los mensajes que oculta es adentrarnos en la oscuridad de la casa.

¿Lo mejor? Las impecables actuaciones de Javier Bardem y Jennifer Lawrence, moviéndose en una atmosfera que nos recuerda a la clásica La Semilla del Diablo de Roman Polanski, mientras que Michelle Pfeiffer y Ed Harris se lucen como los misteriosos intrusos de la trama, generando un duelo interpretativo de aquellos con la pareja protagonista.


Otro punto importante es la dulzura con la que el director retrata a la protagonista y el verdadero e hipnótico mensaje que oculta a sus espaldas. El trágico poema de Aronofsky no es la película de terror que nos prometían, sino una agobiante cinta que transmite mucho más de lo que esperábamos. Es innegable el poder de la alegoría, la contundencia del mensaje, la forma en la que nos sorprende. Madre! no nos dejará indiferentes.


Ficha técnica


Dirección: Darren Aronofsky
Producción: Darren Aronofsky, Scott Franklin, Ari Handel
Guión: Darren Aronofsky
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Matthew Libatique
Montaje: Andrew Weisblum
Protagonistas: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Ed Harris
País: Estados Unidos
Año: 2017
Género: Thriller psicológico, Terror

lunes, 25 de septiembre de 2017

“Dune”: el clásico de ciencia ficción del que reniega David Lynch



Por: Alexiel Vidam

Hace ya algún tiempo, uno de mis amigos hinchas de la ciencia ficción, me comentó acerca de este clásico del sci-fi llamado Dune (1984), basado en el bestseller homónimo de Frank Herbert. Resulta que hace unos meses, andaba yo de viaje, y me encontré la película en una tienda de pelis clásicas (si se dan una vuelta por Buenos Aires, presten atención a la calle Corrientes; no recuerdo el nombre de la tienda, pero su contenido es bastante llamativo a la vista).  


Sé que en general los fanáticos de la saga literaria no estuvieron muy contentos con la película. Curiosamente, su director, el reconocido David Lynch, tampoco lo estuvo, y evita –sobre todas las cosas- profundizar con respecto a ella. El director contaba con 8 horas de rodaje que él mismo decidió recortar a 5 para su exhibición en el cine… Como ya se imaginarán, los productores obligaron a Lynch a reducir mucho más el material, dejando como resultado una cinta de 137 minutos, hecho que provocó diferencias marcadas con respecto del original, y bastante frustración en el director. Cabe anotar, por cierto, que luego se lanzaron versiones extendidas de alrededor de 3 horas de duración (incluso hay un final alternativo); sin embargo- Lynch no se siente más identificado con estas otras versiones.


A pesar todo, puedo decir que encontré bastante encanto en este fallido  filme. No he leído aún la novela (pero ya la tengo en lista), de modo que mis apreciaciones y críticas se limitarán netamente a la adaptación cinematográfica.

Para comenzar…  ¿De qué va esto?



Es el año 10 191 y nos encontramos en algo así como un “futuro espacial distópico”. El ser humano ha conquistado el espacio, pero al mismo tiempo, se percibe un retroceso importante en cuanto a estructuras políticas e incluso a ciertos aspectos tecnológicos.

Hemos regresado a la era feudal. El universo conocido es gobernado por tres casas: Atreides -encabezada por el Duque Leto Atreides-, Harkonnen -dirigida por el Barón Vladimir Harkonnen-, y Corrino, siendo esta última la casa principal por ser a la que pertenece gobernante supremo del universo: el Emperador Shaddam IV.


Casa Atreides
Casa Harkonnen

En esta nueva era, el material más preciado, es la “Especia Melange”, una sustancia que expande la mente de los seres humanos, haciendo que puedan vivir muchos más años, e incluso obtener habilidades psíquicas. Existen, para esto, dos hermandades especializadas en desarrollar la mente a partir de la especia: Bene Gesserit y La Cofradía. La primera, únicamente integrada por mujeres, desarrolla la clarividencia, la lectura y el control de la mente de otras personas, e incluso la observación de la propia memoria genética; esta hermandad busca –sobre todas las cosas- la mejora del linaje a fin de traer al mundo a un Kwisatz Haderach (un macho Bene Gesserit capaz de llegar adonde ellas no llegan). La Cofradía Espacial, por su parte, es capaz de cruzar el espacio sin desplazarse, siendo capaces de discernir las rutas más seguras para los navegantes. Dado al tremendo poder que les confieren sus propias habilidades, estas dos hermandades son capaces de manipular el poder político desde las sombras.


Bene Gesserit
Cofradía Espacial

Cabe anotar también, que la especia se obtiene únicamente de un planeta llamado Arrakis, al cual, debido a su condición desértica, se conoce vulgarmente como “Dune”. En este planeta, habitado por una tribu llamada “Fremen”, existe la leyenda de un mesías, que llegará para producir la “Guerra Santa” y salvarlos de la oscuridad.

En este contexto, la casa Atreides, es víctima de un complot por parte del Emperador, quien se siente amenazado por la creciente popularidad del Duque. El plan del Emperador consiste en conceder al Duque el poder absoluto Arrakis –y sobre la extracción de la Especia- con el fin de generar una reacción violenta por parte de los Harkonnen y que éstos se encarguen de eliminar a los Atreides.

Paul Atreides

El protagonista, es Paul Atrides, hijo del Duque Leto Atreides, quien, víctima de las circunstancias, quedará solo en compañía de su madre –la Bene Gesserit Lady Jessica- en el planeta Dune, donde unirá fuerzas con los Fremen para derrotar a los Harkonnen y al Emperador.


Paul y Jessica


Encantos y puntos débiles del filme

Creo que el principal atractivo de la película, es la forma en que se presenta este universo completamente nuevo, misterioso y complejo. La oscuridad de los ambientes y el aspecto estrambótico de sus personajes genera intriga a la vez que rechazo; se construye una atmósfera tan perturbadora como fascinante, despertando con morbo el espíritu explorador del espectador.


La trama, al mismo tiempo, está bastante bien construida a pesar de los huecos que resultaron de los múltiples cortes. La tensión se mantiene de inicio a fin, provocando el deseo constante de querer saber más. Los personajes, a su vez, están dotados de un aura enigmática, como si –de un momento a otro- nos fuesen a revelar un gran secreto. Esto –a mi parecer- se da especialmente en las Bene Gesserit, mujeres intimidantes por su capacidad para dominar las mentes. La segunda voz que utilizan para ejercer su poder sobre otros es, en una sola palabra, escalofriante; similar al sonido hipnotizante de las serpientes. Si tengo que elegir a un personaje, me quedo con Jessica, quien, a pesar de su rol secundario consigue demostrar su inteligencia, audacia y temperamento, que la hacen dueña de sus propias decisiones (por encima de los deseos de su hermandad).

Jessica
Reverenda Madre Gaius Helen Mohiam (Bene Gesserit)

Por otra parte, el punto débil de la película consiste en que, la cantidad de personajes –y la escasez de metraje- impide la posibilidad de un desarrollo profundo de cada uno. Incluso hay varios detalles sobre el propio universo que desconocemos por completo si no tenemos el background de las novelas (o un wikipediazo previo para saber de qué van). En las versiones extendidas se llega a explicar cómo surgen las hermandades y cuál es su verdadera importancia –cosa que en la versión oficial comprende de manera vaga-; sin embargo, se nos cuenta también otros detalles que quedan totalmente el aire, como la existencia de máquinas inteligentes que luego fueron derrocadas del poder por el ser humano (y de las cuales nunca más llegamos a saber nada).

Dr. Yueh

Personalmente, me quedé con ganas de saber cuál fue el verdadero destino que corrió la esposa del Doctor Yueh, cuál fue el origen de la enfermedad del Barón Harkonnen y qué representaba ese cerebro gigante que lideraba a los miembros de la Cofradía (podríamos intuir que se trata de un cerebro humano que ha llegado a independizarse del cuerpo gracias a la Especia, pero esto tampoco llega a precisarse en algún momento). También siento que las motivaciones de la Reverenda Madre, Gaius Helen Mohiam, quedan en el aire, ya que en un momento se le ve poniendo a prueba al joven Paul Atreides, y en otros se le ve apoyando al Emperador.

La Cofradía
Barón Vladimir Harkonnen
Si bien estos huecos se ven completados al buscar información correspondiente a la saga literaria, nos queda claro que una adaptación cinematográfica debería funcionar como producto en sí mismo, de modo que la sensación de vacío no se justifica en lo absoluto.

Puedo concluir entonces, que Dune es una película imperfecta que –a pesar de su pésimo recorte- revela la existencia de un buen proyecto detrás. Una película que brilla por su excelente trabajo de producción y por la complejidad del universo que presenta, pero que a su vez genera descontento por la cantidad de cabos que deja en el aire.


Ficha técnica

Dirección: David Lynch
Producción: Raffaella De Laurentiis
Idea original: Frank Herbert (de su novela homónima)
Guión: David Lynch
Música: Toto
Fotografía: Freddie Francis
Montaje: Antony Gibbs
Reparto: Kyle MacLachlan, Francesca Annis, Sting, Sean Young, José Ferrer, Max Von Sydow
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 1984
Género: Ciencia ficción
Duración: 137 min, 190 min (edición especial), 177 min (versión extendida)  










*VELA TÚ MISMO*


Versión oficial del cine



Versión extendida



Edición especial

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jueves, 21 de septiembre de 2017

“IT”: Terror diferente y efectivo



Por: Andre Horrutinier

El cine de terror siempre ha sido uno de los géneros favoritos del público masivo, y para seguir así, ha ido cambiando constantemente sus conceptos o temáticas con el paso de los años: Al principio teníamos a los monstruos clásicos de Universal como Drácula, El Hombre Lobo, La Momia, El Monstruo de la Laguna Negra, el Monstruo de Frankenstein, etc. Luego durante las décadas de los 70’s y 80’s, fueron reemplazados por los asesinos seriales como Leatherface, Michael Meyers, Hannibal Lecter, Norman Bates y Jason Voorhees. Hoy en día, el foco central del terror, es lo paranormal (ahí tenemos “El Conjuro”, “Siniestro” o “Anabelle”). Todas estas películas tienen -en teoría- como objetivo principal el generar miedo. Sin embargo… ¿lo estarán consiguiendo hoy en día?


Es aquí cuando el director argentino Andy Muschietti (quién antes nos estremeció con Mama) nos muestra una nueva propuesta de terror, y de una manera bastante avezada, a decir verdad: adaptando una de las obras más reconocidas del escritor americano Stephen King: It (“Eso”, en español). La película se ha vuelto un rotundo éxito de ventas y ha sido elogiada por la crítica alrededor del mundo. Y no es para menos; su director ha realizado un gran trabajo: desde las tomas, el desarrollo de la historia, la dirección de actores, la construcción de personajes, e incluso los efectos. Todo está trabajando con bastante cuidado y de manera sumamente fiel al material original. Combinando estos factores logra, con mucha certeza, esa sensación de miedo que las películas de terror han ido perdiendo con el paso del tiempo.


La historia gira alrededor del “Club de los Perdedores”, un grupo de chicos que vive en el pequeño pueblo de Derry, donde cada cierto tiempo ocurren extrañas desapariciones y nadie hace algo al respecto. Este grupo de amigos decide entonces investigar a profundidad, mientras que una extraña presencia los acecha de diferentes maneras.


El Club de los Perdedores

Vayamos ahora a los puntos que más me gustaron…


La Importancia del Miedo

A lo largo de la película, vemos cómo el miedo va tomando diferentes manifestaciones debido a través de los protagonistas. Cada uno de los miembros del “Club de los Perdedores” sufre de un miedo en particular relacionado con diferentes temas: la pérdida de un familiar,  las enfermedades, las pinturas perturbadoras…. o incluso el abuso físico, psicológico y sexual. Es un tipo de miedo diferente a lo que usualmente vemos en el cine comercial de hoy -con un asesino serial o una maldición lanzada por un demonio-; se trata más bien de casos reales con los cuales podemos sentirnos identificados.



En cuanto a los sustos, podemos decir que esta película no abusa del ya conocido “salto inesperado” o “jumpscare que vemos constantemente en las películas de terror de ahora. Muschietti no quiere que el espectador tenga miedo todo el tiempo ante cualquier estímulo, sino el miedo real y profundo que Eso transmite apenas aparece ya sea en su forma de payaso o en cualquiera de las otras que es mejor que vean con sus propios ojos.


Los Personajes



Como ya he mencionado, el director hizo un gran trabajo en cuanto a la construcción de personajes, haciéndoles bastante fieles a lo planteado por Stephen King. Ahí está George, con su inocencia pura de principio a fin; Bill quién busca saber la verdad acerca de su hermano; Eddie con sus problemas maternales y de salud; Beverly quien trata de encajar en el grupo al ser la única chica; Ben quien debe lidiar con sus problemas de obesidad y al mismo tiempo busca impresionar a Bev; finalmente, Stan que trata de ser lo más razonable posible y alejarse de los problemas. No obstante, de entre todos los personajes, me quedo con Mike y Richie (interpretado por Finn Wolfhard, mejor conocido como Mike en la exitosa serie Stranger Things); el primero, por ser un personaje que -a pesar de su poca presencia- pudo vencer rápidamente sus miedos y volverse un chico valiente; el segundo porque a mi parecer se robó la película con su humor infantil y su fuerte sentido de la amistad, especialmente hacia Bill.



Ahora, ¿qué hay sobre el antagonista? Eso es considerado por muchos como uno de los personajes más emblemáticos de Stephen King y de la cultura pop, junto con el Pistolero de La Torre Oscura o Jack Torrance de El Resplandor. No fue fácil para el actor sueco Bill Skarsgård interpretar a la forma más conocida del villano: El payaso Pennywise. Esto se debe principalmente a que muchos fanáticos ya estaban acostumbrados a la interpretación del legendario Tim Curry en el telefilme de 1990; además, estaba el hecho que muchas de las películas basadas en obras de Stephen King no lograron satisfacer a los fanáticos o al propio escritor. Sin embargo, el sueco logra impresionar con su aterradora sonrisa, seguida de su acechadora mirada y voz que pone los pelos de punta.



Las Tomas

Planos generales muestran los alrededores del pueblo de Derry. El espectador se sumerge en esta historia de manera inmediata y despierta el deseo de exploración; al mismo tiempo se sugiere que, para los niños, es un mundo enorme ahí afuera y nadie sabe lo que pueden encontrar. En las escenas donde aparece Pennywise -en contraste-, la mayoría de tomas muestran escenarios muy cerrados, como alcantarillas o cuartos, transmitiendo sensación claustrofóbica.



Ahora vayamos a lo poco que no me gustó de la película…

Lo Malo

Realmente es difícil decir que cosas no van de una película tan bien hecha, pero podría señalar que hay miembros del “Club de los Perdedores” a los que les falta un poco más de protagonismo -como Mike y Sam, por ejemplo-; casi toda la historia se enfoca en la búsqueda de Bill y en el deseo de encajar de Beverly. Por otra parte, está ese “mal inevitable”, que es la sensación de querer ver más de una película que nos ha encantado… Sólo véanla.


Ficha técnica

Dirección: Andrés Muschietti
Producción: Roy Lee, Dan Lin, Seth Grahame-Smith, David Katzenberg, Barbara Muschietti
Idea original: Stephen King (de su novela It)
Guión: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Chung-hoon Chung
Montaje: Jason Ballantine
Reparto: Jaeden Lieberher, Bill Skarsgård, Jeremy Ray Taylor, Sophia Lillis
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 2017
Género: Terror