lunes, 27 de junio de 2016

Suspenso y parafilias



Por: Alexiel Vidam

Sensualidad y misterio son dos conceptos que se funden en Marnie, la ladrona, cual matrimonio perfecto. Una vez más, Alfred Hitchcock explora los espacios más lejanos y ocultos de la mente humana, aquellos rincones retorcidos donde la carencia y la parafilia se someten la una a la otra.

Nos hallamos, pues, ante dos personajes tan carismáticos como enfermos. Por una parte está ella, Marnie (Tippi Hedren), una cleptómana y mentirosa patológica que viaja cambiando de identidad constantemente. Toma trabajos en distintas empresas y luego huye con su dinero. Por otra parte, está él, Mark Rutland (Sean Connery), una de las víctimas de Marnie, a quien además ha robado –aunque involuntariamente- su corazón.



Sucede que Mark se obsesiona con Marnie, la persigue, y la coloca entre la espada y la pared: “o yo… o la policía”. Marnie, como es de esperarse, experimenta un profundo rechazo… pero no se trata del rechazo natural que sentiría cualquier mujer acorralada. Pronto descubrimos en Marnie un trauma profundo que ni ella misma es capaz de descifrar. Una herida relacionada a los hombres, a su propia madre, y a una pesadilla que arrastra desde la infancia.

Hitchcock, no por nada, es el amo del suspenso. Nos va soltando a cuenta gotas cada detalle de tal modo que uno –como espectador- se convierte en detective. Nosotros, al igual que Mark, buscamos desenredar los secretos de Marnie, comprender el porqué de su modo de actuar. Mark nos transmite simpatía, por su agudeza, su personalidad seductora y sofisticado sentido del humor (eso sin contar con que se trata del galán de la época); sin embargo, es imposible desconectarnos del todo de su situación de obsesivo y chantajista.


Todo esto, por cierto, nos lleva a una de las escenas más incómodas y a la vez mejor logradas del filme:


*ATENCIÓN A SPOILER*



Aquella en que, de la manera más sutil, elegante,  y perturbadoramente sublime, el director es capaz de sugerirnos una violación. La sensación que nos deja es –por lo menos- de culpa y confusión, ante la complicidad que nos atribuye.

*FIN DEL SPOILER*


En cuanto a la parte estética, vale decir que, si algo me fascina de Hitchcock, es la dualidad de sus personajes; esa mezcla equilibrada, pero a la vez contrastante, que muestran entre carisma y criminalidad, entre fragilidad y perversión. Para ello, obviamente, ha sido necesario un guión que explote esas características, actores que sepan interpretarlas y… conociendo el carácter maníaco de Hitchcock, me atrevo a decir que también una estricta dirección de actores, en combinación con una meticulosa selección de planos (me encantó el detalle de los primeros planos teñidos de rojo; revelan el primer indicio de un enigma que mantiene su intriga hasta el instante final). La música, del aclamado Benard Herrmann –por cierto-, es el ingrediente preciso y fundamental para completar la tensión.



En cuanto a los puntos débiles de la película, me hubiese gustado que desarrollen un poco más el tema de la fijación de Marnie con los caballos. Sentí que se trataba de un detalle importante en la biografía de Marnie, que simplemente quedaba en el aire; como si no se hubiese llegado a explotar por falta de tiempo o presupuesto en la filmación.

Por lo demás, puedo decir que la película me encantó, tanto por su manejo del misterio como por su exploración de la mente humana. Sin duda, una joyita que ningún fan del cine clásico se debería perder.


Ficha técnica:

Dirección: Alfred Hitchcock
Producción: Alfred Hitchcock
Idea original: Winston Graham (inspirada en su novela Marnie)
Guión: Jay Presson Allen
Música: Bernard Herrmann
Fotografía: Robert Burks
Montaje: George Tomasini
Reparto: Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham
País: Estados Unidos
Año: 1964
Idioma: Inglés
Género: Suspenso, drama
Duración: 130 minutos
Productora: Universal Studios






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domingo, 26 de junio de 2016

“La nana”: La oscuridad de lo cotidiano



Un grito, después el temor que se instala y no se va. La patrona raras veces le ha gritado. Por eso el miedo a perder su empleo, el mismo que ha conservado por más de veinte años. Le han dicho que le conseguirán una ayudante. Ha aceptado a regañadientes. No tiene idea de cuándo ni cómo llegará la nueva nana. Hasta ese momento, solo le queda vagar por las calles de Santiago, ver tiendas, perseguir sueños a través del ir y venir de los transeúntes. Cuando llegue a casa, estará una chica más joven que ella. Es inevitable sentir el fantasma del despido rondándola. Por eso aprieta el mandil, se traza de inmediato el objetivo de eliminar a la intrusa.

En la casa de los Valdés gobierna el orden. Ahí, donde las estructuras de una vieja aristocracia parecen seguir vivos, permanece también una empleada que ha trabajado con ellos por casi veinte años. Su nombre es Raquel. Hay que recordarlo bien porque más allá de hacer su trabajo, ha consagrado su vida entera a una rutina fija, inalterable, la misma que gracias a su edad se ve amenazada por la llegada de nuevas compañeras, a las que irá eliminando selectivamente para no perder su empleo.


Esta película, dirigida por Sebastián Silva, muestra una verdadera mirada de autor, donde queda bastante claro que, para percibir los problemas contemporáneos, hay que mirarnos primero a nosotros mismos. Prueba de ello es que no usa grandes locaciones, la mayoría de escenas se desarrollan dentro de una casa. Raquel es un personaje complejo, mérito aparte para la actriz que la interpreta (Catalina Saavedra). No se trata sólo de una sumisa e introvertida nana, sino de alguien cuyo temor al cambio puede fácilmente conducirla hacia actos de los cuales ella misma no se siente capaz de tolerar.



Aquí es donde Raquel, como personaje, construye metáforas interesantes. Por ejemplo, cada vez que llega una nueva empleada, ella trata de ejercer su autoridad enviándola a que recoja mandados, revise el correo, o cualquier otra tarea que implique salir de la casa. Esto con el fin de cerrarles la puerta e impedirles el ingreso. Lo hace a propósito, evidentemente, y no le importa que griten o arriesguen su vida trepándose al tejado para entrar otra vez. Enciende la aspiradora y se disculpa diciendo que no la escuchaba, generando así más de un desastre. Descubrimos que una niña diabólica nace dentro de ella cada vez que improvisa alguna travesura para la nueva nana.

En ningún momento se arrepiente; por el contrario, muestra alivio cada vez que una de sus “rivales” es eliminada. Pero es a partir del ingreso de Lucy (una nueva nana) que Raquel evoluciona como personaje y descubrimos más cosas sobre ella. Si Raquel evocaba directamente a la introversión, Lucy (Mariana Loyola) representa exactamente lo contrario, y es en ese choque de contradicciones que la trama finalmente da un giro y  nos metemos verdaderamente en la piel de la protagonista; en la relación que lleva con su familia, en por qué se aferra tanto al trabajo y en algo aún más siniestro: el poder destructivo de la soledad.


Silva tiene un mérito aquí, y es que ha logrado calcar parte de la metamorfosis real de las personas, como en la vida misma, y sin caer en excesos azucarados. Además, deja abiertas las posibilidades a lo que le ocurra después, y somos nosotros quienes finalmente decidimos la suerte que correrá el personaje.

Una película que tiene las credenciales bien ganadas. Aunque deje algunos cabos sueltos (no voy a spoilear cuáles), se trata de una estrella más para el cine chileno y para su director, quien deja abiertas las posibilidades de especulación sobre el cambio, el temor que ronda en torno a él, y los límites que se pueden traspasar con tal de no perder aquello que tanto queremos. ¿Se trata de un film de terror disfrazado de comedia? La respuesta queda en ustedes.




Ficha técnica:


Dirección: Sebastián Silva
Dirección artística: Pablo González
Producción: Gregorio González
Guión: Sebastián Silva, Pedro Peirano
Fotografía: Sergio Armstrong
Montaje: Danielle Fillios
Reparto: Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Alejandro Goic, Mariana Loyola
Países: Chile, México
Idioma: Español
Año: 2009
Género: Drama
Duración: 96 minutos






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sábado, 25 de junio de 2016

El Comic Fest Perú 2016 te trae lo mejor del cine, la TV y el cómic extranjero y nacional



Amigo cinéfilo, seriéfilo y comiquero, ¿sabías que julio se viene con todo…?... Bueno, chapa tu calendario y marca 23 y 24 de julio como fechas imperdibles, porque el Comic Fest Perú 2016 te trae los mejores invitados nacionales e internacionales, así como mil y un sorpresas para poner vibrar tu espíritu geek a máxima potencia.

Comic Fest Perú, la nueva convención de fans organizada por Proyecto Otaku (Otakufest, Otaku No Tono), con el apoyo de Cinematosis (Cinemafic, Tono Cinematosis, entre otros), te trae, por primera vez en el mismo escenario, a las voces de Homero Simpson (Humberto Vélez), Batman y el Joker de la serie animada (Frank Meneiro y Rubén León respectivamente), y Nick Fury del Universo Marvel (Gerardo Vásquez).


Entre los invitados nacionales, se contará la presencia del director Sandro Ventura (El Buen Pedro, Loco Cielo de Abril), quien, acompañado por su cast de actores presentará su próxima comedia “La peor de mis bodas”, así como los próximos proyectos de su productora –Big Bang Films- dentro del género de terror. El director Jesús Álvarez Betancourt (Quizás mañana), aparecerá también en el escenario junto a los actores de sus últimas obras teatrales: Casa refugio –drama épico- y Cocó –obra para toda la familia-. Finalmente, los hermanos Hugo y Juan Carlos Flores estarán dando las últimas novedades sobre el largometraje LaVenganza del Fachoy, inspirado en el corto del mismo nombre, cuyo estreno se dará a mediados de 2017. En la zona de autógrafos realizarán también la presentación de su primer videojuego basado en la película.

La Venganza del Fachoy anuncia su primer videojuego.

Por si fuera poco, el público podrá también interpretar a sus personajes favoritos en los distintos concursos de cosplay, asistir a exhibiciones de comic, cine y TV, proyecciones de cortos peruanos y trailers de los próximos estrenos de la pantalla grande. 

La cita es en el coliseo Dibós y las entradas están a la venta en Teleticket. 

Para ingresar al evento, da click en el afiche:


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jueves, 23 de junio de 2016

“Nunca rendirse, seguir luchando”

Suffragette: La lucha por el voto femenino


Por: Alexiel Vidam

No nos engañemos. Las mujeres y los hombres aún no somos tratados como iguales ante la ley en todas las partes del mundo. De hecho, ni siquiera en los países más desarrollados, las mujeres son tratadas igual que los hombres en sus centros de trabajo; no reciben los el mismo pago por sus horas ni tienen las mismas posibilidades de acceder a los puestos importantes. Para conocimiento de muchos, apenas el año pasado (2015), fue reconocido el derecho a voto de las mujeres en Arabia Saudita.

Todas estas reflexiones son puestas sobre la mesa por Suffragette (2015), película de Sarah Gavron, protagonizada por Carey Mulligan y Helena Bonham Carter, con una corta pero contundente aparición de Meryl Streep. La historia va sobre las primeras militantes del movimiento británico por el voto femenino.

El significado de ser sufragette



Ante todo, hay que señalar señalar que la traducción “sufragista” que se ha usado en España y Latinoamérica para el término suffragette, no es correcta, pues no son exactamente lo mismo. Ambos términos se aplicaron a grupos que defendían el voto femenino. Sin embargo, los sufragistas (mujeres y algunos hombres), se caracterizaron por una actitud más mesurada y siempre acorde con la ley. Por el contrario, las suffragettes, decepcionadas de la ineficiencia del máximo pacifismo, recurrieron a marchas, huelgas y revueltas. Llegaron a incurrir al sabotaje de medios de comunicación, e incluso a la infracción de la propiedad privada (incendiando la residencia de algún político… previa revisión de que no hubiese nadie adentro).

Esto, de buenas a primeras, podría sonar a actos de vandalismo. Casi-casi, a terrorismo, si partimos de que se utilizaba la fuerza (y el miedo) para conseguir un objetivo. Sin embargo –y remarcando en el hecho de que no se buscó asesinar-, una vez que nos hallamos en contexto, es mucho más sencillo entender la actitud de estas revoltosas.



Estamos, pues, a inicios del siglo XX. Vemos el mundo a través de los ojos de Maud Wattes (Carey Mulligan), personaje inspirado en la figura real de Hannah Mitchell (1872 – 1956). Casada, madre de un niño, y con 24 años de edad, Maud es víctima y testigo de la injusticia en su centro de trabajo. Ella y sus compañeras son explotadas, obligadas a trabajar en condiciones que incluso ponen en riesgo su salud, acosadas sexualmente por sus jefes sin poder chistar. No tienen derecho sobre sus propios hijos. Varias son maltratadas o echadas por sus maridos. La ley no defiende su integridad.

¿Lo más indignante? Ver a la propia autoridad golpeando brutalmente a las mujeres; a esas mujeres que –sin agredir a nadie- protestan porque se les niega el voto. Es ante tal situación, que cobra sentido –y poder- el discurso de la revolucionaria Emmeline Pankhurst (personaje real interpretado por Meryl Streep):


"Luchamos por una época en la que cada niña que llegue a este mundo tenga las mismas oportunidades que sus hermanos varones. Jamás subestimen el poder que tenemos las mujeres para definir nuestro propio destino. No queremos quebrantar las leyes; queremos hacer leyes. (...) Si debemos ir a prisión para conseguir el voto, que sean las ventanas del gobierno las que se rompan, no el cuerpo de una mujer. Incito a todas las presentes y a todas las mujeres británicas a una rebelión. Prefiero ser una rebelde que una esclava."

La propia Maud, quien ama a su marido, acaba siendo maltratada y rechazada por el mismo y alejada de su pequeño. Es por todo esto que termina abrazando la causa de las suffragettes, inspirada por el discurso de la activista Edith Garrud (Helena Bonham Carter), y de la propia Emmeline Pankhurst, líder suprema del movimiento.


Hablando desde el aspecto cinematográfico, siendo sincera, Suffragette no me embelesó. A mi parecer, le faltó bastante trabajo en los aspectos fotográfico y musical. Aunque consigue impactarnos con ciertas escenas muy bien logradas (sobre todo las más violentas), pienso que, con un uso mucho más preciso de estos elementos, la sensación de desgarro e incomodidad habrían sido mil veces más potentes. No obstante, el argumento consigue su objetivo principal, que es envolvernos y llevarnos hacia una reflexión; a concientizar en el maltrato que ha tenido que soportar la mujer por siglos, y en la necesidad de crear una sociedad más justa e igualitaria.

Ficha técnica:


Dirección: Sarah Gavron
Producción: Alison Owen, Faye Ward
Diseño de producción: Alice Normington
Guion: Abi Morgan
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Eduard Grau
Montaje: Barney Pilling
Reparto: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Meryl Streep, Anne-Marie Duff, Natalie Press
País: Reino Unido
Año: 2015
Género: Drama histórico
Duración: 106 minutos
Idioma: Inglés



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domingo, 19 de junio de 2016

¡Guerra de papás! Recordamos a los (mejores) papás de la gran pantalla



Por: Sergio Cueto

Desde el incansable Marlin en Buscando a Nemo hasta el omnipresente Jor-El en las clásicas pelas de Superman. Desde los que defienden a sus hijos con uñas y dientes hasta aquellos que parecen un poco descuidados, vamos a recordar a los mejores papás del cine, para celebrar su día.


Puesto 10: Vito Corleone (El Padrino)


A veces es mejor no hacer muchas preguntas en lo que se refiere a Vito Corleone. En fin, hay quienes aseguran que Vito fue un mal padre al involucrar a los suyos en el violento mundo de la mafia. Sin embargo, don Vito era un padre excepcional. Siempre se preocupó por educar a sus hijos sobre valores como la familia, el respeto y la lealtad. Asimismo, el Padrino se preocupó por convertirlos en hombres de bien. Aunque al final los jóvenes Corleone terminaron en los negocios de la familia, Don Vito fue sumamente respetuoso con el camino elegido por cada uno de ellos. Muy previsor, si algo le ocurre a él o a sus chicos, siempre tiene a mano una “oferta difícil de ser rechazada”. #NoTeMetasConElCapo


Puesto 9: Atticus Finch (Matar a un Ruiseñor)


Atticus es un hombre excesivamente ocupado, con sus labores de abogado. Pero absolutamente nada le impide pasar tiempo con sus hijos, Scout y Jem. Debido a ello, aprovecha cada oportunidad para educarlos sobre la importancia de valores como el respeto, la igualdad y la justicia. Es un hombre convencido de que todos tenemos los mismos derechos. Y es que, luego de involucrarse en un caso plagado de injusticias, Atticus se convertirá en un verdadero ejemplo para sus hijos gracias a sus valores y su solidez moral. ¡Lo máximo! #NoHayMas


Puesto 8: Henry Jones (Indiana Jones y la Última Cruzada)



Aunque Henry Jones Jr. –más conocido como Indiana Jones– muestre algunos resentimientos contra su padre, éste se encuentra convencido de que fue un padre ejemplar. Recordemos que el inquieto Indy fue uno de los pocos niños que pudo presumir que su padre nunca le decía que comiera, que se fuera a la cama, hiciera su tarea o se lavara los oídos. Lamentablemente esto provocó que Indiana se fuera de su casa a muy temprana edad, justo cuando su vida empezaba a ponerse interesante. Henry Jones es sinónimo de aprendizaje y cultura, pues desde muy temprana edad, su pequeño hijo dominaba varios idiomas y era un capo en conocimientos históricos, los cuales serían determinantes para convertirse en el mejor arqueólogo de todos los tiempos.


Puesto 7: Sam Dawson en I’m Sam (Yo soy Sam)



Sam es un caso muy especial de papá. A los ojos de su pequeña, podemos ver que tener un padre como Sam puede ser extremadamente desafiante. Su padecimiento ha obligado a la pequeña Lucy a madurar extremadamente rápido (para cuidar de ambos). A pesar de ello, Lucy es feliz y es consciente del enorme amor de Sam por ella, el cual la llevará a enfrentar lo que se le presente, con tal de estar juntos. ¿Creen que la pequeña escaparía continuamente de sus padres adoptivos si no estuviera segura del amor de su padre? Ése es Sam. #EseEsAmorDelBueno


Puesto 6: Chris Gardner (En busca de la Felicidad)



Tal vez Chris no sea un visionario si hablamos de hacer negocios. Sin embargo sabemos que se trata de un padre A1, dispuesto a superar lo que se le presente, con tal de ver feliz a su pequeño. Aunque su camino está lleno de decisiones difíciles, Chris utiliza su inteligencia para buscar un futuro mejor (y de paso la felicidad), y para convencer a su pequeño de que los obstáculos les volverán más fuertes. Sumamente esperanzador, Chris es un padre que vive en una malísima racha -todo el tiempo- pero que lejos de dejarse vencer, enfoca sus esfuerzos en superarlo todo. Por él y por su hijo. Me quedo con el brillante consejo que le da: "Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo. Ni siquiera yo". Punto.


Puesto 5: Daniel Hillard (Mrs. Doubtfire)


Daniel es un actor de voz, alegre y divertido, que hace todo por pasar el mayor tiempo posible con sus tres hijos. Sí, tres. Tal vez no es un buen esposo -o descuidó en algún momento esa parte de su vida- pero sí que es un papá genial (que baila al ritmo de Aerosmith mientras limpia la casa). Cuando su esposa le pide el divorcio y un juez le prohíbe ver a sus pequeños, descubre que su antiguo amor está buscando un ama de llaves. Entonces, aprovecha para convertirse en una irreverente y pícara anciana, la Sra. Doubtfire, con quien espera recuperar su antigua vida. #NoLaMamá


Puesto 4: Marlin en Finding Nemo (Buscando a Nemo)



Aunque se trata de un padre extremadamente sobreprotector, en el fondo (del mar), todos sabemos que Marlin, es un papá muy amoroso. Quiere mantener fuera de todo peligro a su pequeño hijo, así que, cualquier contacto con el mundo exterior, está prohibido. ¿Exagerado? No lo creo. Después de ver todo lo que pasa el pobre pez payaso, para llegar hasta P. Sherman Calle Wallaby 42 – Sidney, y así rescatar a su Nemo, queda claro que no permitirá que lo "pesquen" desprevenido. Y sí, este papá-pez reaparece en la secuela, junto a la olvidadiza Dory y sus nuevos amigos, así que go, go, go!


Puesto 3: Jor-El en Superman: The Movie (Superman - 1978)


Conocido como "El Carcelero" por el temperamental General Zod, lo cierto es que Jor-El nunca tuvo la oportunidad de ver crecer a su hijo. Es un padre sacrificado (además es Marlon Brando, así que es un súper-papá). Siempre será recordado como "el hombre que sacrificó todo". Puso a su hijo en una pequeña cápsula-cohete para que sobreviviera -y que luego se convierte en el héroe más grande de todos los tiempos-. Sumamente concienzudo, fue uno de los pocos kryptonianos que pensó con claridad antes del inminente desastre. ¿Lo bueno? Incluyó una buena póliza para el viaje: los coloridos cristales tipo USB con toda la información de su planeta para el futuro, lo cual sería fundamental para que Kal-El, nuestro Superman, conociera más sobre sus orígenes. #ElHijoDeJorEl


Puesto 2: Bryan Mills en Taken (Búsqueda implacable)


Este papá es de temer, literalmente. Quizá Bryan haya enfocado demasiado tiempo a su (super secreto) trabajo en la C.I.A., pero en el fondo sabemos que se trata de un padre que adora a su hija adolescente Kim, a quien sigue viendo como una pequeña e inocente niña (incluso en las secuelas, le llega a comprar un enorme oso en su cumpleaños). Lamentablemente, la vida de ambos da un giro dramático cuando viaja a Francia y ella es secuestrada por traficantes de mujeres. Esto obliga al rudo Mills, a utilizar toda su experiencia para el rescate. Sobreprotector a la n potencia, pero con “un particular conjunto de habilidades” que le permite salir bien parado de toda situación (im)posible. ¡Nunca le hagas enojar o te pesará! #BuenaSuerte


Puesto 1: Guido (La vida es Bella)


Guido es todo un personaje. Un papá que siempre vivió la vida con extremo optimismo, convirtiendo un día cualquiera en una fascinante aventura. En uno de los momentos más tristes de la humanidad, Guido no sólo fue capaz de actuar con astucia para mantener a salvo al pequeño Giosué; también de crear un engaño bastante complejo –y desgarradoramente conmovedor-, que le permite a su hijo llevar una vida relativamente tranquila en un campo de concentración. Guido es un excelente padre y enamorado esposo, dispuesto a todo para mantener la unión y alegría en su familia (aún a costa de su sufrimiento). #BuongiornoPrincipessa


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lunes, 13 de junio de 2016

¿Qué tan Pixar-lover eres?


Por: Sergio Cueto

¿Puedes identificar la película de Pixar viendo solo una imagen? ¿Eres un genio-matemático del universo pixarista? ¿Tu perro se llama Woody o Buzz? Es momento de darle una refresh a tu memoria con este pequeño test.  

Desde que Pixar estrenara Toy Story, en 1995, el estudio no ha parado de dar éxitos llenos de emoción que han tocado millones de corazoncitos, y no hablamos solo de niños. Sus películas animadas son las más famosas y las que más han recaudado. Claro ejemplos son Buscando a Nemo (2003), Toy Story 3 (2003) y la reciente Inside Out (2015).

 

OJO: Este test es puro vacilón; si, así que por favor si no adivinas todas no te preocupes puedes comprar los Blu-ray en Polvos Rosados o bajarlas de Internet (guarda con los virus) Ya lo sabes… ¡El que se pica pierde! ¿Cuántas de ellas has visto? ¿Recuerdas algunos detalles? ¡Averígualo ahora!


1.

a) Toy Story
b) Los Increíbles
c) Buscando a Nemo


2. 


a) Monsters INC.
b) Wall-E
c) Intensa-Mente


3. 

a) Intensa-Mente
b) Up
c) Ratatouille


4. 

a) Monsters University
b) Toy Story
c) Los Increíbles


5.

a) Ratatouille
b) Los Increíbles
c) Up


6. 


a) Up
b) Intensa-Mente
c) Los Increíbles


7.



a) Monsters INC.
b) Buscando a Nemo
c) Inmensa-Mente


8. 

a) Bichos
b) Toy Story
c) Toy Story 3


9. 


a) Bichos
b) Toy Story
c) Buscando a Nemo


10. 


a) Wall-E
b) Monsters
c) Toy Story 2


11.

a) Wall-E
b) Brave
c) Intensa-Mente


12.

a) Ratatouille
b) Los Increíbles
c) Toy Story 3


13. 


a) Un Gran Dinosaurio
b) Wall-E
c) Intensa-Mente


14. 

a) Cars
b) Los Increíbles
c) Wall-E


15.

a) Bichos
b) Intensa-Mente
c) Monsters University


¿Qué tal te fue? Aquí las respuestas correctas:

01 - c)    Buscando a Nemo
02 - b)   Wall-E 
03 - c)    Ratatouille        
04 - b)   Los Increíbles
05 - b)   Los Increíbles  
06 - a)   Up
07 - c)    Inmensa-Mente             
08 - c)    Toy Story 3
09 - a)   Bichos
10 - b)   Monsters
11 - b)   Brave
12 - c)    Toy Story 3
13 - a)   El Gran Dinosaurio
14 - c)    Wall-E
15 - b)   Intensa-Mente

¿Cuántas acertaste?


**BONUS TRACK**

En el siguiente video, Andrew Stanton, director y guionista de Pixar comenta: “A todos nos gustan las historias, nacimos para esto. Las historias afirman quiénes somos. En nuestros primeros días de Pixar, éramos solo un grupo de chicos siguiendo nuestras vísceras, nuestros instintos. Queríamos realmente dar fe de que se pueden contar las historias de forma muy diferente en la animación. Pueden cruzar las barreras del tiempo. Y nos permiten experimentar las cosas que tenemos en común entre nosotros mismos y los demás, de forma real y de forma imaginaria. Las mejores historias infunden asombro. Y ese creo que es el ingrediente mágico. Este asombro y admiración, esa maravilla es honesta, es inocente y no puede ser evocada de forma artificial. Cuando ocurre, la afirmación de estar vivo, se impregna cada célula. Utiliza lo que sabes, dibuja una historia desde eso. No siempre significa un argumento o un hecho. Significa capturar una verdad de tu experiencia, expresando los valores que tú realmente sientes muy dentro de ti.”

jueves, 2 de junio de 2016

La soledad del humo

Dolan y sus amores imaginarios





Por: Fabiola Martínez Oquendo

Les amours imaginares no es una película de amor –ni desamor-. Es una película sobre la soledad y las obsesiones a las que ésta puede conducir. Un triángulo amoroso (en el que el tercer vértice es una ilusión) y una historia agridulce magníficamente dirigida por Xavier Dolan, condensan un estilo contemporáneo y  fresco,  con situaciones que todos hemos experimentado – o vamos a experimentar- en algún momento de nuestras vidas. En su lenguaje universal y gran tratamiento estético reside su éxito en el festival de Cannes de 2010, el Hamptons International film festival (2010), International Cinephile Society Awards (2011), el Sydney Film Festival (2010), entre otros.

Un universo que plasma una onda muy actual que linda entre lo ecléctico y lo indie. Con un cuidado de la estética milimétricamente pensado, elaborado y ejecutado en cada plano, muestra la decisión de una puesta en escena irreal y hermosa. El placer que causa a los ojos ver tal delicadeza y atención al detalle, junto con el recurrente uso de la cámara lenta, resulta una suerte de analogía al enamoramiento en sí. Las primeras impresiones son limpias, bellas y distractoras, ocultando cualquier imperfección tras una armonía de colores y formas puestas en pantalla.


Tres personajes, cada uno con una atmósfera inteligente y encantadora a su manera. Francis, interpretado por el mismo Dolan, se distingue de los otros dos por su sensibilidad, inocencia y personalidad infantil. Marie, interpretada por Monia Chokri, es un conflicto existencial en sí misma; aunque se muestra como una mujer fría, confiada y fuerte, se esconde tras un caparazón que se va desmoronando con el avance del film. Ambos comparten un estado de nerviosismo, ansiedad y muchos cigarrillos provocados por el tercer personaje: Nicolas, interpretado por Niels Schneider. Nico es la representación de la utopía para Francis y Marie; un adonis contemporáneo “inteligente, culto y tierno” en palabras de Francis, pero también egocéntrico y apático. Nicolas, siempre espontáneo y despreocupado, no busca explícitamente hacerle daño a nadie; es más bien encantador y afectuoso. Señales mezcladas y amistades quizá muy cariñosas, se desenvuelven desde que Francis y Marie conocen a Nicolas.

Los rituales sociales se plasman en la película de forma tan falsa como acertada. Y es que el arte, la música (Bang bang – Dalida) y la cámara lenta en las escenas donde los personajes se preparan para asistir a un encuentro, ensalzan las acciones de los mismos a un punto contemplativo. Momentos en los cuales solo nos queda disfrutar de observar el ritual y recaer en que hacemos lo mismo con frecuencia muchas veces sin notarlo.


El juego de testimonios que suceden en paralelo a la historia, enmarca la problemática que Dolan quiere que vivamos. Enfocando nuestra atención forzadamente mediante el uso de un zoom brusco e invasor a las anécdotas sobre abandonos, amores platónicos y experiencias homosexuales, narradas por estos personajes ajenos a la historia principal. Aun cuando la historia funcionaría sin la presencia de estas escenas testimoniales, es la forma del director de exponer su visión respecto a los conflictos que se viven internamente, cuando una persona cree estar enamorada.

Experiencias sensoriales, como el caso del uso de la cámara lenta y los hermosos y coloridos  planos, se dan en varias partes de la película. El ejemplo por excelencia es la escena del cumpleaños de Nicolás, en que Francis y Marie lo admiran obsesivamente, cada uno desde su visión. El juego de colores, música y cambios de planos se convierten en un estado de hipnosis, en el cual los personajes comparten con el espectador su obsesión por Nicolas. Resulta linda la inocencia ciega con que Marie observa a Nicolas volverse un David de Miguel Ángel frente a sus ojos y cómo Francis se pierde entre su imagen y visiones de dibujos homoeróticos de Jean Cocteau.



Dije al inicio que esta película es sobre la soledad, y es que los personajes siempre están buscando escapar. Dolan se empeña en que notemos la presencia de los cigarros y el humo mostrándolos a veces como un catalizador de sentimientos y otras como facilitador de conexiones. El humo juega un papel importante en la película. Es tal vez el “jugar con fuego sin quemarse”, lo que desea plasmar con la intensidad con que se presenta el humo y la acción de fumar. Durante la historia lo veremos en todo lado, desde los diálogos hasta en los rincones de la pantalla.

Antes de terminar no se puede dejar pasar el soundtrack de esta película. Es característica del director acompañar la música con los eventos acontecidos en sus trabajos; pero en este caso me parece especialmente remarcable la fusión entre música clásica, electrónica europea, Hip hop y clásicos italianos, unificados en armonía complementando las experiencias sensoriales –ya mencionadas-  que se logra vivenciar en el trascurso del film.





Ficha técnica:



Dirección: Xavier Dolan
Producción: Xavier Dolan, Carole Mondello, Daniel Morin
Guión: Xavier Dolan
Fotografía: Stéphanie Anne Weber Biron
Montaje: Xavier Dolan
Reparto: Xavier Dolan, Niels Schneider, Monia Chokri
País: Canadá
Idiomas: Francés
Año: 2010
Género: Romance, drama, comedia
Duración: 102 min.