Dark Shadows (Sombras Tenebrosas) la última película de Tim Burton, es
un divertido filme que mezcla situaciones dramáticas con fuertes dosis de
acción y comedia, todo dentro de la atmósfera fantástica que le caracteriza.
Barnabas Collins (Johnny Depp) es un adinerado
comerciante dedicado a la pesquería, que reside en una opulenta mansión en la
ciudad de “Collinwood” (llamada así en
honor a su familia). En sus ratos libres, se la pasa liberando feromonas de
rincón en rincón junto a la sirvienta Angelique
(Eva Green)… sin imaginar el
tremendo lío en el que se está metiendo.
Cuando Barnabas siente que las papas queman y decide dejarle
en claro a Angelique que lo suyo no va en serio, es cuando termina
descubriendo, trágicamente, que tenía a una bruja en casa.
Un vampiro en los 70
El vampiro Barnabas
Collins acaba de despertar en el año 1972.
Doscientos años después de que le fuese lanzada la maldición que lo convirtiera
en una criatura de la noche. Se encuentra solo y desorientado. Confunde un
automóvil con un enorme dragón de ojos amarillos y dientes de acero, y la “M” de
“McDonald’s” con la “M”, de Mefistófeles.
Tratando de encontrar respuestas, enrumba el camino hacia la
antigua mansión Collins, en busca de algún familiar con vida. Lo que encuentra
no es un panorama precisamente alentador: los cuatro Collins que quedan vivos
se encuentran en una seria crisis económica que les ha obligado a vender hasta
la platería de la casa. ¿El motivo…? Una
imponente y seductora comerciante llamada Angie,
dueña de la compañía Angel Bale, quien
se ha hecho del monopolio pesquero.
Pronto, el afán de Barnabas por sacar a su familia de la
crisis, termina colocándolo cara a cara con Angie, en cuyo rostro reconoce a la
bruja Angelique, dispuesta a utilizar
nuevamente los medios que sean posibles, con tal de poseerlo.
Atracción fatal, el plato fuerte de la película
Definitivamente, el plato fuerte de la película es esa
dualidad de amor-odio que existe entre el personaje del vampiro y el de la
bruja, así como el contraste de bien y mal que se da dentro de ambos
caracteres.
Barnabas es un sujeto noble, de buenos modales, trabajador y
preocupado por su familia, pero no deja de ser un vampiro, lo cual lo convierte
en un asesino a sangre fría. Al mismo tiempo, y aunque se niegue a admitirlo, es,
en gran medida, el culpable de su propia maldición, al haber jugado
inconscientemente con el corazón de la bruja. Por su parte, Angelique, “la mala
del cuento”, resulta ser un personaje bastante simpático, tanto por su
personalidad juguetona y sexy, como por la humanidad de sus sentimientos. Ella,
en el fondo, es una mujer decepcionada y resentida por un amor no correspondido;
obsesionada y celosa al extremo, lo cual la vuelve tremendamente dañina debido
al poder sobrenatural que posee.
Angelique Bouchard (Eva Green)
Entre ambos personajes no sólo existe un enfrentamiento de
poderes, sino una fuerte lucha emotiva cargada de bastante erotismo, ingredientes
que el director Tim Burton aprovecha para crear una serie de situaciones que
sazonan el drama con buena dosis de comedia.
Los resbalones
La historia es interesante y entretenida (risas
garantizadas). Si eres amante de la
estética de Burton, esta película es un pequeño manjar. Sin embargo, ciertos
aspectos que quedan flojos en la trama.
El drama de la bruja es tratado de una manera sumamente
superficial. Se le pinta como una mujer
de sentimientos fuertes, pero no llegamos a explorarlos a fondo. A su vez, la
tragedia de Barnabas con respecto a la pérdida de su amada Josette (Bella Heathcote), no está desarrollado en absoluto; de hecho, sabemos que
sufre porque él dice que sufre, pero nunca le vemos realmente atormentado. Si
bien es cierto que el filme termina perteneciendo al género de comedia, en
otros de sus trabajos, Tim Burton ha logrado contrastar de manera equilibrada
ambas caras de la moneda: la del dolor, y la de la risa; eso no sucede aquí.
Victoria (Bella Heathcote)
El personaje de Victoria
(de quien se sugiere es la reencarnación de Josette) está prácticamente
dibujado en la pared. En un inicio, pareciera que su papel fuese a tener
importancia, pues es mediante el seguimiento que le hace la cámara, que llegamos
a conocer a cada uno de los integrantes de la familia Collins. No obstante, una
vez que Barnabas aparece en escena, Victoria se convierte en un ente pasivo;
con las justas aparece en un par de conversaciones con el protagonista, y luego
al final de la película.
El resto de personajes también es descrito de manera general
y superflua. Los dos únicos personajes con los que se consigue empatía, son
Barnabas y Angelique, lo cual nos deja
la impresión de que, en su afán de conseguir risas, Burton ha descuidado la
profundidad de sus personajes.
Ficha técnica:
País: Estados
Unidos
Género: Comedia,
drama
Año: 2012
Dirección: Tim
Burton
Producción: Tim Burton, Graham King, Johnny Depp, Christi
Dembrowski, David Kennedy, Richard D. Zanuck.
Guión: Seth Graham-Smith
Idea original:
Basada en la serie “Dark Shadows”, de Dan Curtis.
Reparto: Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Eva Green, Helena
Bonham Carter, Thomas McDonell, Chloë Grace Moretz, Bella Heathcote, Jonny Lee
Miller, Hannah Murray, Christopher Lee.
El Capitán América, Thor, Hulk, Ojo de Halcón, Iron Man, y la Viuda
Negra, son los integrantes de la escuadra más poderosa del universo.
Tengo
que admitir que cuando me enteré de que Joss
Whedon iba a ser el director de The Avengers (Los Vengadores), temí
que diera rienda suelta a su desbordante imaginación para dar una vuelta de
tuerca a la historia de superhéroes de Marvel.
Temblaba ante lo que pudiera organizar si se le daba la oportunidad.
Ahora, una
vez vista la película, digerida y repasada, me doy cuenta que mis temores eran
infundados y que el creador de Buffy
y Firefly no sólo ha hecho un gran
trabajo, sino que ha conseguido mantener intacto parte del espíritu que se
transmitía en los cómics.
Los
Vengadores, otra película de Superhéroes
Eso
es lo que pueden pensar muchos al contemplar la enorme cantidad de películas
que llegan (y han llegado) a nuestras pantallas con esta temática tan
socorrida. Desde el retorno de los X-Men
con First
Class hasta la esperada The Amazing Spiderman, pasando por Thor,
El
Capitán América o Iron Man, nos han estado saturando
con estos personajes que daban su gran salto desde el papel para convertirse, de
nuevo, en héroes. Pero lo cierto es que, sin desmerecer a sus predecesoras, The
Avengers ha sido algo más que una simple película que trata sobre un
grupo de superhombres. Ha sido un completo fenómeno. Una conspiración bien
urdida que ha atrapado a muchos, fans o no, y que ha dado como resultado el
tremendo éxito que ha tenido en taquilla desde el mismo momento de su
lanzamiento.
Ya
desde que se comenzaron a dar los primeros coleteos en el proyecto Avenger, nos
fueron otorgando pequeñas perlas de información que se entrelazaban con otras
películas y que lo único que hicieron fue abrirnos el apetito ante lo que
habría de venir más adelante. Tramas que se superponían, enemigos que
regresaban, objetos que reaparecían después de setenta años… Todo parecía encajar
perfectamente en esa bien orquestada idea que se estaba gestando, algo que se
confirmó aún más cuando, tras varias de las películas de los miembros de este
variopinto grupo de personaje, se fueron añadiendo minutos de metraje que
otorgaban pequeñas pinceladas de color y restos de información de lo que más
tarde se convertiría en la película final.
¿Qué son
los Vengadores?
Por
si hay algún despistado que no conozca a este grupo de superhéroes, baste decir
Los Vengadores (nacidos en 1963 como
contrapartida a la Liga de la Justicia, que había lanzado DC)
son un grupo de superhéroes que actúan al unísono para enfrentarse a las más
duras pruebas a las que se pueda enfrentar la Tierra. El grupo inicial, formado
por Hulk, Thor, Iron Man, Avispa, Henry Pym y el Capitán
América, ha sufrido algunos cambios con respecto a su contrapartida en
cine, manteniendo sólo a los tres primeros y al Capitán América y añadiendo a Ojo
de Halcón y la Viuda Negra.
La película
en sí
Después
de los hechos narrados en Iron Man 2, El Capitán América y Thor (supuestamente
también Hulk (2008) pero esa aún no
he podido verla), nos encontramos con un recién despertado Steve Rogers(Capitán
América) y con el Tesseract, un
cubo cuya capacidad energética roza el infinito. Dicho objeto, utilizado por S.H.I.E.L.D. para investigación, es
robado por Loki, hermanastro de Thor, en un intento por crear un portal
estable con el que atraer a un misterioso ejército de más allá del espacio y
declararse así señor absoluto de la
Tierra.
Es
a partir de ese momento cuando Nick Fury,
director de S.H.I.E.L.D., hace
llamar a los héroes que formarían el grupo de choque destinado a recuperar el
cubo o vengar la inminente invasión.
La
trama no ofrece mucho más, pero entre explosión y explosión, saboreando la
acción desmedida en cada una de las escenas, las dos horas y pico de la película
se pasan en un suspiro, dejando esa sensación de entretenimiento sin
pretensiones que nos alienta a desear un poco más.
Contra
todo pronóstico, la película ofrece más de una sonrisa debido a los comentarios
de los personajes (sobre todo los de Tony
Stark (Iron Man)). Un buen film
cuya segunda parte ya ha sido anunciada y que llegará, como esta primera
entrega, precedida por otras tantas de sus “hermanas menores” (aunque por ahora
sólo han mencionado Iron Man 3). Una delicia para aquellos a los que les gusta el
mundo Marvel y una distendida velada
para los demás, sobre todo para aquellos que gustan de una buena película de
superhéroes y acción.
Notas:
Por si alguien se ha perdido las escenas que van tras los
créditos… estén atentos, que salen dos cuadros adicionales.
El Shawarma, es un döner kebab ;).
Puede sonar friki pero, para mí, Hulk siempre dirá “Machaca” no
“Aplasta”.
Ya extrañábamos a Carlos Lavida y su humor negro que siempre nos hace soltar una carcajada. En esta ocasión, Carlitos se luce con un diseño temático acerca del Día de la Madre.
¡Feliz día mamá!
Cayetana (Fátima
Buntix) es una niña enfadada. Con su madre que nunca está, con su padre que
se olvida de ella, con la profesora que habla del infierno, con una época en
que los perros callan con Valium.
Las Malas Intenciones, está ambientada en uno de los momentos
más violentos que ha vivido el Perú; a
inicios de los80, cuando los
atentados terroristas de Sendero
Luminoso agitaban a la población. Es un filme que denuncia la superficialidad
de la clase alta limeña, y su indiferente al momento de pobreza y desolación
que vivía el país.
Historia de drama y horror
Todo comienza con Cayetana
de los Heros, una niña de ocho años que colecciona láminas de los héroes de
la patria. En su imaginación, Bolognesi,
Miguel Grau, José Olaya, entre otros, la acompañan y le conversan. Ella los
admira y se refugia en el deseo de convertirse en héroe para aplacar su
soledad.
Cayetana vive bajo el cuidado de sus empleados en una casa
amurallada en Ñaña-Chosica. La casa
es como un palacio de ricos en medio de un barrio pobre. Su madre viaja
constantemente. Su padre se olvida de recogerla los domingos porque se la pasa de
novia en novia. Por si fuera poco, en uno de los fugaces regresos de su madre,
le comunica que va a tener un hermano.
Cuando Bolívar y San Martín quisieron independizar al
Perú, sabían que dos soles no podían brillar en el mismo cielo. Asimismo,
Cayetana siente que la poca atención que recibe corre peligro, por lo cual,
declara la fecha del nacimiento de su hermano, como el día de su propia muerte.
Mientras tanto, las calles son azotadas por el miedo. La oz y el martillo, símbolo del
movimiento terrorista Sendero Luminoso, aparecen pintados en rojo en las
paredes de las calles. Pordioseros, apagones, perros muertos colgados de los
postes. En los colegios, los simulacros de bomba son siempre a la hora de
matemáticas. Cayetana y su prima Jimena
juegan a “terrorista”.
Mirada crítica
El filme es bastante crudo y directo. Nos señala como
responsables de nuestra propia historia de terror. Al igual que los limosneros
de las calles, Cayetana lucha por dejar de ser invisible para quienes la
rodean. Las dos únicas personas que la comprenden, son dos seres también sin
voz: su prima enferma, y su chofer, un hombre humilde, de color, y con
problemas de salud.
La casa de Cayetana es una metáfora de la sociedad limeña
(desde su ubicación hasta sus habitantes). Los sectores acomodados hacen lo posible
por permanecer ciegos a la terrible situación. Viajan constantemente, tienen
casas amuralladas, y montan negocios que se aprovechan descaradamente de las
circunstancias (el padrastro de Cayetana se vanagloria de la prosperidad de su
negocio de velas).
Los niños de la clase alta están educados para huir de sus responsabilidades.
Ramón, el padrastro de Cayetana, no
paga a los albañiles por la construcción de la piscina (sin embargo, mantiene
una lancha en la playa), y la propia Cayetana deja que culpen a la empleada por
el robo del dinero para el bebé.
Profundizando un poco más en Cayetana, encontramos a un
personaje complejo y ambivalente, que transmite compasión a la vez que rechazo.
Su capacidad de observación y reflexión acerca de la realidad contrasta con su
visión distorsionada de hacer el bien. Sus “buenas acciones” suelen acabar en
tragedia. Intenta curar a un canario y acaba envenenándolo. Intenta alimentar a
unos gatos, y vierte un litro de leche sobre ellos.
La muerte acosa a Cayetana en su entorno y sus pensamientos.
Conversa con los muertos. La gente y los animales mueren a su alrededor. La tragedia
aparece constantemente en sus comentarios, pero sus verdaderas intenciones son
siempre camufladas por el silencio o la ambigüedad de sus actitudes.
Ficha técnica:
Género: Drama
Países: Perú,
Argentina
Año: 2011
Dirección:
Rosario García-Montero
Guión: Rosario
García-Montero
Producción: Steve
Akerman, Benito Mueller
Actores: Fátima
Buntinx, Katerina D’Onofrio, Paul Vega, Kani Hart, Melchor Gorrochátegui, Jean
Paul Strauss
Música: Patrick
Kirst Dirección de
fotografía: Rolo Pulpeiro
Sandro Ventura es cineasta, crítico de cine, y uno de los fundadores de
Big Bang Films, la primera productora de cine peruana interesada en la
realización de cine de género, y en crear industria de cine. Hasta el momento,
la productora ha incursionado en la comedia, con la realización de su primera
película, Talk Show (2006), y en el drama de horror y suspenso con El Buen
Pedro (2011), ambos filmes dirigidos por Ventura. Mientras espera el estreno de
El Buen Pedro, en septiembre de este año, Big Bang Films se encuentra en pleno
rodaje de Quizás Mañana, una película de género romántico. A continuación, Sandro
nos cuenta sobre su incursión en la creación de películas, su pasión por el
cine, y las novedades que Big Bang Films nos prepara.
Cuéntanos un poco
acerca de cómo surge tu interés por el cine.
Fue amor a primera vista. Cuando era chico, mis papás me
llevaban a las matinales de las películas de Disney, y a mí me encantaban. Podía verlas hasta diez veces; no me
importaba repetir.
¿Y cómo arrancas en
el mundo creativo audiovisual?
En el rodaje de "El Buen Pedro".
Yo soy de la idea de que la creatividad no se estudia. La
creatividad, sobre todo si tiene que ver con lo audiovisual, tiene que ver con
el día a día, con lo que lees, con lo que te interesa, con lo que ves, con lo
que te sensibiliza. Desde niño me encantaba este mundo; la música, los
videoclips cuando recién aparecían. De hecho, soy fanático de Peter Gabriel, que en los años 80 no sólo
era un kapo en lo musical, sino también en la forma en que vislumbraba sus
videos. Todo eso me fue motivando a investigar y a leer mucha información. Me
gustaba leer sobre cine, sobre música, textos para aprender a tocar guitarra…
Se podría decir que fui un poco autodidacta.
¿Nos cuentas cómo fue
que llegaste al taller de Robles Godoy (director de cine peruano)?
Armando Robles Godoy, primer cineasta peruano en lograr
reconocimiento con sus filmes.
Yo primero entré a la Universidad
de Lima. Tenía muy claro que quería estudiar algo que tuviese que ver con
música o cine. No sentía que tuviese talento para tocar algún instrumento.
Canto entonado, pero nunca he tenido el valor de cantar en público, ni siquiera
en las actuaciones del colegio. Siempre fui muy tímido. Entonces me decido por
el cine, pero en ese entonces no había cine como carrera en el Perú, de modo que
me meto a comunicaciones en la de Lima, pero me retiré. Entonces descubrí el
taller de cine de Armando Robles Godoy,
y entré a estudiar por dos años. Recuerdo que para entrar nos pedían que
hiciéramos una lista con las mejores películas de nustras vidas. Mi nivel de
cine en aquel entonces era muy limitado; abarcaba básicamente Hollywood,
blockbusters, ganadoras del Óscar de esa época. Cuando entré al taller de
Robles Godoy descubrí el cine mudo, el cine de Bergman, a Chaplin, a Hitchcock, toda una gama de cine que no
conocía, y me convierto instantáneamente en una suerte de devorador de
películas.
Sé que también
estuviste en Chile.
Luces en la Ciudad (de Charles Chaplin),
uno de los mejores filmes según Sandro.
Estudié allá un cursillo de tres meses, de dirección de
actores. Lo dictaba un actor chileno que trabajó en la película La
Frontera, muy famosa en Chile. Trataba básicamente de actuar, pero yo
lo llevé más por el lado de la dirección.
¿Cuáles son tus
películas favoritas?
Me encanta Buenos Muchachos de Scorsese, pero creo que la mejor
película que he visto en mi vida, es Luces en la Ciudad, de Chaplin; siento que esa película recoge
todo lo que es el cine.
¿Sientes que tus
películas tienen cierta influencia de algún otro director al que admires?
Esa es una pregunta un poco complicada. Siento que tengo un
poco de varios. Cuando hacía Talk Show, con todos los errores que
tenía, y las limitaciones del caso, sentí que las confesiones a la cámara
fueron una suerte de influencia de Annie Hall, de Woody Allen, que es una película que me encanta. Claro que son
diametralmente opuestas en calidad, y no es que yo no quiera a mi película…
quizás sea que adoro demasiado a Annie
Hall. El hecho es que siento que Annie
Hall me sirvió mucho de inspiración en algunos diálogos. Lo de dividir la
pantalla, por otra parte, creo que tiene que ver algo con Tarantino.
Sandro revela que se inspiró un poco en Annie Hall (de Woody Allen)
para las confesiones a la cámara de su primera película, Talk Show.
El Buen Pedro, por otra parte, tuvo una puesta en escena muy libre,
pero creo que tiene algunas influencias de Old Boy (de Chan-Wook Park), por esa atmósfera sucia y oscura que hay en él. La
fotografía, en cambio, pienso que tiene mucho de Spielberg, sobre todo de la película Sentencia Previa (Minority
Report), especialmente por el uso de colores fríos, azules, que rodean
al personaje del asesino.
En El Buen Pedro, Roger Del Águila interpreta a un asesino en serie
que liquida prostitutas.
¿Cómo surgió la idea
de fundar una productora?
Todo arrancó el año pasado. Jesús Álvarez, Hugo Shinki,
Adolfo Aguilar y yo teníamos esta idea
loca de juntarnos y hacer cine. Nuestra intención era hacer cine de género. Hicimos
El
Buen Pedro, una película de horror y suspenso, ahora vamos a hacer Quizás
Mañana, que es más romántica, y tenemos tres proyectos más, entre ellos
un proyecto de animación del que ya tenemos los primeros bocetos. Claro que hay
que seguir invirtiendo, lo cual implica mucho dolor de cabeza, pero si te gusta
y te apasiona, por qué no.
Predominancia de colores fríos en El Buen Pedro.
¿Qué opinas del cine
peruano actual?
Mi problema con el cine peruano, es que creo que no existe. Para
comenzar, no creo que exista el cine chileno, tailandés, ni el cine de
Tangamandakio. Yo creo que existe el cine; que los directores sean peruanos,
chilenos, argentinos, es una suerte de azar.
Bruno Ascenso y Gisela Ponce De León durante
el rodaje de la película Quizás Mañana.
Por otra parte, a diferencia de otros países, en Perú no hay
una industria del cine; aquí en Perú somos unos poquitos que hacemos cine y
cada uno corre por su lado. Ahora, en Big
Bang Films, nosotros sí estamos pensando en que la realización de películas
sea un negocio, un negocio de algo que nos apasiona, claro está. Estamos
interesados en realizar películas de otras personas, también, y en que nuestra
producción sea muy variada: terror, dibujos animados, películas de navidad,
etc.; nos hemos juntado para tocar necesariamente los temas habitualmente
reconocidos como “peruanos”.
Yo creo q el cine debería romper sus fronteras, llegar a
todos, como sucede con Invictus (de Clint Eastwood) que ocurre en Sudáfrica pero nos conmueve a
todos.
Sandro Ventura
Finalmente, ¿qué le
recomiendas a los cineastas que recién empiezan?
Que agarren su cámara y graben. Ustedes tienen posibilidades
que en mi época no teníamos. Ustedes por 500 o 600 dólares pueden tener una
cámara que les permite grabar en Full HD, una calidad que ya se usa en cine. Sólo
tienen que hacer una historia de acuerdo a sus posibilidades; el que quiere
hacer el Señor de los Anillos tendrá que esperar. El problema de muchos
cineastas peruanos es que quieren hacer su obra de arte a la primera, cuando
hacer cine es un aprendizaje. A mí también me pasó, cuando hice Talk Show, creí que estaba haciendo la
obra de arte del mundo, y luego vi que no era así. Pero tienes que probar,
superar la inseguridad. A fin de cuentas, la película la haces tú. Si tienes
una cámara, puedes hacer lo que te dé la gana, y si le gusta al público,
genial, pero primero tiene que gustarte a ti. Así que no hay excusas,
experimenten.
Trailer oficial de El Buen Pedro, que se estrenará en septiembre de este año.
Soy fan de Joan Jett. He pasado tardes enteras escuchando temas como I love rock n' roll, Bad Reputation, Do you wanna touch me? y Crimson and Clover. Hace un tiempo me enteré de que Joan, además de estar considerada dentro de la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia según la revista Rolling Stone, fue integrante de la primera banda de rock n' roll sólo de chicas: The Runaways.
Tomando en cuenta que Cinematosis Crónica es un blog de cine, ustedes pensarán que quemé cerebro al dedicarle este post a Joan Jett. El detalle está, en que si bien yo ya escuchaba a "Joany" (tanto sus canciones con la banda The Blackhearts, como un par de temas de The Runaways), me volví fan desde que vi la película que lleva el nombre de su primera banda, y que cuenta la historia de los inicios y la trayectoria de la agrupación.
En The Runaways (la película), Joan es interpretada por Kristen Stewart, más conocida como Bella Swank (Twilight), quien, honestamente, me sorprendió positivamente. Quienes me conocen de cerca, saben que Twilight me llega altamente (no me gusta pero PARA NADA), por lo cual yo había subestimado a la actriz. Jamás me imaginé que conseguiría intepretar tan bien el papel de mi amada Joan.
Joan es una adolescente rebelde, que a sus 17 años, vive la intensidad de los salvajes años 70. Toca la guitarra eléctrica, usa ropa de cuero, y admira fervientemente a Suzi Quatro, la banda que la inspira a crear su propio grupo de rock n' roll. Un grupo fuera de lo común, sin embargo, pues el plan de Joan es bastante ambicioso: ella desea formar una banda sólo de chicas.
Saliendo de una fiesta, Joan se topa con Kim Fawley, el famoso productor musical, y se atreve a hablarle de su proyecto. Kim queda alucinado y decide apostar por la idea, de modo que le presenta a Sandy West, una joven baterista, para que se junten a hacer música. Joan y Sandy empiezan a crear sus propias canciones. Al poco tiempo, se unen Lita Ford (otra famosa guitarrista que más adelante tocó varias veces con Ozzy Osbourne), y Robbie Robbins (personaje inventado para la película; Jackie Fox, la verdadera bajista, no quizo dar derecho a la producción para crear un personaje basado en ella).
Sin embargo, me atrevo a decir que quien marcó la vida de Joan dentro del grupo, fue Cherie Currie (interpretada por Dakota Fanning), la vocalista y última integrante de la banda. La frágil sensualidad de Cherie, esa quinceañera de apariencia vulnerable y espíritu furioso, contrastan y combinan bien con la rudeza de Joan, la "quechuchista" del equipo, la chica desencantada a la que todo simplemente le resbala, la que no cree en nada... salvo en la música.
De derecha a izquierda: Joan
(Kristen Stewart),y Cherie
(Dakota Fanning).
La película da a entender que estas dos féminas vivían al ritmo brutal de "sexo, drogas y rock n' roll", por lo cual tenían relaciones fugaces y encuentros furtivos; sin embargo, se percibe también la presencia de un "feeling" intenso entre Joan y Cherie. Ellas dos se comprenden y se complementan. Es Joan quien defiende constantemente a Cherie de las envidias que se generan en la banda debido a su sobresaliente popularidad. En la vida real, Joan y Cherie mantuvieron un romance por algún tiempo, pero aquello que las unió, acabó siendo precisamente aquello que las separó después: la música.
Joan fue quien influyó más, tanto en Kim Fawley, como en la propia Cherie, para que ésta fuese admitida en la banda. El filme nos dice que Cherie ni siquiera sabía cantar (aprendió en la praxis), pero estaba hastiada de su disfunsional vida familiar y de trabajar como mesera en una cafetería. Ello y su pasión por la música (especialmente por David Bowie), la animaron a unirse al grupo, pero estuvo a punto de ser despachada por negarse a interpretar dos líneas de Cherry Bomb (canción que Kim y Joan inventaron para ella) debido a que le parecieron demasiado atrevidas. Finalmente Joan la animó para que se atrevise a cantarlas, y Cherrie se convirtió en la voz de The Runaways.
No obstante, Joan realmente estaba casada con la música, mientras que Cherie veía en ella, más que nada, una vía de escape, y cuando el estrés de la vida pública acabó por hastiarla, decidió regresar a su casa, para encontrarse con su hermana Marie y tratar de ayudar a su padre alcohólico. Joan, por su parte, consideraba que la única familia que le quedaba era el grupo, y desde la partida de Cherie, se convirtió en la única vocalista de The Runaways (antes había apoyado como segunda voz).
Joan Jett (Kristen Stewart), en concierto
La banda duró poco menos de dos años más, luego de eso, se disolvió. Joan Jett se convirtió en solista durante el mismo año de la disolución (1979), y, a inicios de los 80, formó una nueva agrupación: The Blackhearts.
Si te encanta el rock n' roll, te recomiendo ver esta película, que hace homenaje a un grupo icónico para la historia de este estilo musical. El personaje de Joan (a quien dedicamos este post), está muy bien dibujado, y uno de los detalles más interesantes es que los temas musiales están interpretados por las propias actrices; en la vida me hubiese imaginado que Kristen Stewart tocaba guitarra y cantaba tan bien.
La verdadera Joan Jet... ¿Verdad que sí se parecen?
Tengo confirmado, además, que tanto antes como después de la realización de la película, Kristen Stewart tuvo la oportunidad de conocer a la verdadera Joan Jett en vivo y en directo, y ello contribuyó en buena medida a que pudiese empaparsed el personaje (lo mismo ocurrió con Dakota Fanning, quien pudo conocer a la verdadera Cherie Currie).
Dead and Justice, interpretada por Kristen Stewart (Joan Jett) y Dakota Fanning (Cherie Currie)para la película The Runaways.
Súper Fortaleza Espacial Macross: ¿Recuerdas el Amor?
Por: Alexiel Vidam
Super Dimensional Fortress Macross: Ai Oboete Imasuka (“¿Recuerdas el amor?”) es una película de animación japonesa creada por Shoji Kawamori. Fue estrenada en 1984, pero cuenta con una trama que resulta revolucionaria hasta hoy. En ella se narra la historia de una guerra espacial entre humanos y una raza de gigantes alienígenas dividida en dos bandos opuestos: “zentraedi” (hombres), y “meltrandi” (mujeres). Estos aliens, hechos únicamente para la guerra, nos llevan una tremenda ventaja tecnológica, pero reciben impacto lo que les es totalmente ajeno: la cultura, y sobre todo, el amor.
La guerra de los gigantes
La nave Macross es una fortaleza espacial que, alberga una ciudad en su interior. Sus habitantes cuentan con calles, autopistas, casas, lugares de entretenimiento, restaurantes, etc. Además, de la protección del servicio militar (sumándole la capacidad de Macross de transformarse en robot en caso de peligro). Aparentemente, es el crucero espacial perfecto, salvo por el “pequeño detalle” de que la humanidad se ha visto casualmente implicada en una guerra espacial. El enemigo es una raza de gigantes llamada “zentraedi”, cuya naturaleza está hecha exclusivamente para la guerra, y que nos supera años luz en tecnología.
El teniente Hikaru Ichijou (Arihiro Hase), es un piloto miembro del escuadrón “Skull” de valkirias (unas navecitas capaces de transformarse en robots para pelear cuerpo a cuerpo con los gigantes zentraedi). Durante un ataque repentino de los aliens, Hikaru salva la vida de la famosa cantante Min Mei Lin (Mari Iijima), pero ambos quedan atrapados en una zona desconocida, debido a la abrupta transformación de la Macross a modo robot.
La Súper Fortaleza Espacial Macross
En el tiempo que pasan atrapados, surge el romance entre el piloto y la encantadora cantante. Cuando finalmente son encontrados, comienzan los rumores en los medios, por los cuales la pareja debe encontrarse a escondidas y huir de los paparazzis, y de las llamadas de atención de sus superiores (Kaifuun Lin -Hirotaka Suzuoki-, primo y manager de Min Mei, y la teniente Misa Hayase -Mika Doi-, superior de Hikaru, con quien tiene una pésima relación).
Pero el problema serio, comienza cuando en un arranque de irresponsable entusiasmo, el piloto decide llevar a su novia a observar de cerca el arcoíris de Saturno, tomando “prestado” uno de los valkirias, y son sorprendidos por un ataque zentraedi. Roy Focker (Akira Kamiya), líder del escuadrón Skull y amigo de Hikaru, acude en su ayuda, así como un transbordador piloteado por Misa en el cual viaja también Kaifuun Lin. La superioridad militar de los zentraedi, acaba con los cinco personajes en mención, secuestrados en la nave de sus enemigos. Estos les hacen preguntas bastante difíciles de comprender, como: “¿Por qué no están peleando?”, “¿por qué se redujeron a ese tamaño?”, “¿cómo pueden el macho y la hembra de los micronianos vivir juntos y en paz?”. Además, casualmente, terminan descubriendo que los zentraedi se asustan al observar un beso.
El comandante zentraedi Britai, y los cinco rehenes.
Algunas de las primeras interrogantes quedan resueltas para los secuestrados cuando la nave zentraedi es atacada por un escuadrón de mujeres gigantes alienígenas reconocidas como “meltrandi”. En medio del caos, Misa y Hikaru consiguen huir y hacerse de un valkiria, pero Roy muere en combate. Ahora sólo queda rescatar a Min Mei y Kaifuun, pero en ese preciso instante, la nave zentraedi realiza un “fold” (pliegue espacial) y Misa y Hikaru son arrojados a un planeta devastado y deshabitado al que terminan reconociendo como la Tierra.
Misa y Hikaru en el devastado planeta Tierra.
En el amor y la guerra
Min Mei Lin es un elemento principal en la historia de Macross. Ella representa algo así como el “alma de la nave”. Todos abordo la adoran, pues tienen sus esperanzas concentradas en el mensaje de sus canciones.
Min Mei Lin
A bordo de la nave zentraedi, las canciones de Min Mei también tienen un efecto importante. El comandante Britai reconoce este sonido extraño a sus oídos, como una muestra de la perdida “protocultura” (la cultura de sus ancestros, extintos por el poder destructivo de sus propios descendientes). La cultura de los humanos, y especialmente las expresiones de amor, son entendidas por los zentraedi como una especie de “ataque psicológico” debido a las fuertes emociones que les provocan, las cuales les impiden seguir peleando.
Hikaru y Min Mei
Ahora Britai pretende realizar un acuerdo de paz con los terrícolas a cambio de que los ayuden a vencer a los que desean seguir con la guerra (básicamente Lord Godolza –fortaleza viviente zentraedi-, y a las tropas meltrandi). Para ello, necesitan de la ayuda de Min Mei, quien debe interpretar el tema Ai Oboete Imasuka (“¿Recuerdas el amor?”) para causar shock psicológico mientras las naves combaten.
Un mes después de su secuestro, Min Mei vuelve sana y salva a Macross, pero casi de inmediato se pierde en la ciudad espacial, al enterarse de una noticia que la remece con violencia: Hikaru, quien también ha conseguido regresar a Macross, está enamorado de Misa. Sin la presencia de Min Mei, no hay posibilidades de lograr la paz.
Hikaru y Misa
Cuando el remake supera al original
Por lo general, consideramos que el original suele ser un éxito (o por lo menos un buen film), y el remake, un completo bodrio, pero con Macross, pasa todo lo contrario.
Macross: Ai Oboete Imasuka, es un remake, o mejor dicho una reinterpretación de la serie de TV titulada Super Dimensional Fortress Macross; la misma que posteriormente fue comprada por los americanos para conformar la primera de tres temporadas de una serie titulada Robotech.
La película resume la historia presentada en la serie (de tal modo que no es necesario ver la serie para entender la película), pero añade cambios importantes que construyen una serie más redonda y mejor trabajada. El éxito de la primera sobrepasó notablemente al de la segunda, al punto en que la versión fílmica acabó siendo reconocida como parte del universo oficial de Macross, mientras que la serie pasó a ser considerada como universo alternativo.
Para comenzar con el tema de las diferencias, el diseño, color y calidad de la animación presentados por la película, superan abismalmente los de la serie. Para esta versión, también se hizo madurar el diseño de personajes, de la mano con la personalidad de estos, y se hizo un par de cambios a la nave Macross, para que cuadren con variantes realizadas a la historia. En la serie, la nave Macross incluye el portaviones y el cañón de las Naciones Unidas como brazos (que se trasladaron al espacio casualmente en un “fold” realizado por la nave y fueron añadidos a la misma), en la película ambos se han quedado en la Tierra y gracias a ellos es que Misa y Hikaru descubren la identidad del planeta desierto en el que han caído.
Hikaru y Min Mei en la película de Macross.
Min Mei Lin, en la película, está enamorada de Hikaru de inicio a fin, y llegan a concretar una relación, mientras que en la serie, ella ni siquiera nota los sentimientos del piloto hasta que éste se lo confiesa antes de la batalla final. Ellos recién comienzan una relación durante la reconstrucción de la Tierra, que a su vez es devastada recién en los últimos episodios de la serie, mientras que en la película te dan a entender que la Tierra se encuentra en ese estado casi desde el inicio. Por otra parte, en la serie, la comandante Hayase es la primera en notar que está enamorada de Hikaru, y comienzan a salir oficialmente también, a partir de la posguerra, mientras que en la película, lo que los une es la soledad y el apoyo que se brindan durante su desolada estadía en la Tierra.
Diseño de Britai en la serie de TV.
La división entre Zentraedis y Meltrandis es claramente marcada en la película, donde se trata de bandos enemigos, mientras que en la serie, ambos grupos son Zentraedi, sólo que viven por separado y se juntan únicamente para combatir. Asimismo, mientras que en la serie la nave Macross fue construida por antiguos enemigos de los zentraedi, el ¨Supervision Army” (que nunca aparece en la serie, salvo en los diálogos), en la película, se dice que la Macross fue construida por las Meltrandi.
Min Mei, Hikaru y Misa según la serie de TV:
En resumen (pues la lista de diferencias es algo larga), se puede decir que la película, además de contar con animación y gráficos de mejor calidad, construye una trama más compacta y sin la cantidad de cabos que quedan sueltos en la serie. No deja cabida a incongruencias, y trabaja mucho mejor el triángulo amoroso Min Mei-Hikaru-Misa, convirtiéndolo en foco fundamental para la resolución del conflicto armado; esto va de la mano con un mejor criterio a la hora de elegir el tema interpretado por Min Mei durante el combate final. En la serie, ella interpreta varias de sus canciones más conocidas (My broyfriend is Pilot, Shao Pai Long, etc.), mientras que en la película, interpreta una sola canción que da mucho más da mucho más contundencia al fondo de la historia: Ai Oboete Imasuka (“¿Recuerdas el amor?”).
Shao Pai Long con imágenes de la serie y la película.
¿Conclusión? Hayan o no hayan visto la serie de TV, vean la película. Los temas y los personajes sorprenden, la trama engancha, y los diseños son riquísimos (tomando en cuenta la poca tecnología de la época). No hace falta ser aficionado a la animación japonesa para disfrutar de una historia como Macross.
Cinéfila empedernida, escritora peleada con el mundo, mangaka, blogger, friki, guerrera shaolin, webera sin remedio. En mis ratos libres, me pongo capa y salgo a salvar el mundo.
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